Le Manège Maubeuge

Supplément rédactionnel de La Voix du Nord

Ludivine — 2025-10-09T14:07:07Z

Supplément rédactionnel Voix du Nord

Cérémonie : Pose de la première pierre

Ludivine — 2025-07-10T20:07:10Z

La pose de la première pierre a eu lieu le 23 juin 2025.

Un lieu emblématique en mutation

Le chantier de rénovation du Théâtre du Manège, Scène nationale de Maubeuge est lancé !

Lieu emblématique de la vie culturelle maubeugeoise, le Théâtre du Manège entre dans une nouvelle phase de son histoire avec une réhabilitation ambitieuse et l'extension de sa scène nationale.

Un nouveau statut : Pôle international de production et de diffusion
Depuis début mai 2025, Le Manège a été reconnu comme Pôle International de Production et de Diffusion par le Ministère de la Culture.
Ce nouveau statut renforce son rôle stratégique à l'échelle nationale et européenne, et soutient la transformation engagée autour du bâtiment, de ses missions artistiques et de son rayonnement territorial.

Un équipement renouvelé à l'horizon 2027

À l'horizon automne 2027, ce projet d'envergure offrira :

• Une nouvelle scène
• Une salle de répétition
• Un espace convivial et plus accessible pour le public
• Une résidence artistique

Durée du chantier : 2 ans

Des choix architecturaux nécessaires

Dans le cadre de ces travaux, les piliers situés devant le théâtre ont été retirés.

Ces éléments architecturaux, bien que visibles de longue date, ne sont pas classés ni protégés au titre des monuments historiques par l'Architecte des Bâtiments de France.
N'ayant pas de valeur patrimoniale spécifique reconnue, leur démolition est rendue nécessaire pour permettre l'extension du théâtre et la création de nouveaux espaces adaptés aux usages contemporains.

Un investissement conséquent, soutenu par de nombreuses subventions

• DRAC Hauts-de-France : 3 500 000 €
• CAMVS : 2 000 000 €
• Conseil régional Hauts-de-France : 1 500 000 €
• Département du Nord : 1 300 000 €
• Fonds de Développement Urbain : 1 000 000 €

Une ambition au service du territoire

Ce projet structurant traduit l'engagement fort de la Ville de Maubeuge en faveur de la culture, du soutien à la création contemporaine et du rayonnement de son territoire à l'échelle nationale et transfrontalière.

Article du Ministère de la Culture :

Le Manège Maubeuge entame sa métamorphose, entre rénovation et réinvention

Pôle International de Production et de Diffusion

Ludivine — 2025-07-04T16:44:44Z

Le Manège Maubeuge devient Pôle International de Production et de Diffusion (PIPD) ?

Le 9 mai dernier, Rachida Dati, Ministre de la Culture, annonçait la mise en place des 11 pôles internationaux de production et de diffusion.

Ce Pôle International de Production et de Diffusion (PIPD) des Hauts-de-France, porté par les scènes nationales de Valenciennes, Villeneuve d'Ascq, Amiens et Maubeuge, incarne un modèle innovant de coopération artistique et culturelle à l'échelle internationale sous l'égide des Scènes Unies du Nord (SUN).

Ce nouveau projet développe la dynamique des Pôles européens initiée de 2016 à 2024 dans la Région Hauts-de-France.

+ d'infos par ici

Communiqué de presse du Gouvernement

Article Voix du Nord

EMERGE

Ludivine — 2025-07-04T16:15:32Z

Le projet EMERGE (2024 à 2028) – Emerging Artists Mentoring and Growth Engagement soutenu par le programme Interreg VI France-Wallonie-Vlaanderen, permet un accompagnement par des structures culturelles aux compagnies des Hauts-de-France, de Flandre et de Wallonie autour de pratiques innovantes, originales et ambitieuses. Le programme Interreg VI France-Wallonie-Vlaanderen, initiative de l'Union Européenne, soutient la coopération économique, sociale et environnementale entre les régions frontalières de France et de Belgique afin d'améliorer la qualité de vie des habitants et de promouvoir un développement territorial intégré.

Le projet EMERGE est porté par 10 structures culturelles : Kunstencentrum BUDA (BE-Fl), Charleroi danse – Centre chorégraphique de la Fédération Wallonie-Bruxelles (BE-Wa), Cultuurhuis De Grote Post Oostende (BE-Fl), Maison de la culture d'Amiens – Pôle européen de création et de production – Scène nationale (FR-HdF), Le Manège Maubeuge, Scène Nationale Transfrontalière (FR-HdF), Le Phénix Scène nationale Pôle International de Production et de Diffusion Valenciennes (FR-HdF), La rose des vents, scène nationale Lille Métropole Villeneuve d'Ascq (FR-HdF), Théâtre du Beauvaisis/Scène nationale (FR-HdF), Théâtre de Namur (BE-Wa), et Viernulvier (Vooruit) Gand (BE-Fl).
Ces structures sont accompagnées par des experts du Kunstenpunt, de l'Institut Français et de l'Office National de la Diffusion Artistique.

L'enjeu d'EMERGE est d'apporter une réponse innovante aux difficultés actuelles des compagnies indépendantes du champ des arts vivants et performatifs pour faire émerger une génération d'artistes dans la zone transfrontalière. L'objectif est de favoriser une coopération concertée pour mieux produire et mieux diffuser entre les structures culturelles et les compagnies indépendantes des Hauts-de-France, de Flandre et de Wallonie. A partir d'un inventaire détaillé des ressources et des compétences de 10 maisons de production, la plateforme orchestrera une mutualisation et un accompagnement adaptés pour les besoins de 15 équipes artistiques de 2024 à 2028.
Le projet EMERGE est doté d'un budget global de 3,29 millions d'euros de 2024 à 2028.

+ d'infos par ici

Devenez spectateur et spectatrice infiltrés

Antoine — 2024-07-01T11:20:07Z

Vous êtes spectatrice ou spectateur, abonné ou occasionnel, et vous désirez participer plus étroitement à l'aventure du Manège ? Rejoignez Annie, Léonie, Maryse, David et Jean-Marie, spectatrices et spectateurs infiltrés, et devenez comme eux et elles, ambassadrice ou ambassadeur !

SPECTATRICES & SPECTATEURS INFILTRÉS
par Manège Maubeuge

https://vimeo.com/970629901?share=copy

Votre mission ?

Parler des spectacles et des projets du Manège à votre entourage, votre famille, vos amis ou vos collègues… Susciter la curiosité, l'envie de découvrir la programmation et participer à l'élargissement des amoureuses et amoureux du spectacle vivant. Des temps de présentation dédiés et l'accès à des tarifs réduits vous permettront d'accompagner votre démarche.

Mais encore ?

Être spectatrice ou spectateur infiltré, c'est aussi vivre une expérience augmentée du Manège et découvrir ses coulisses, notamment grâce à des moments privilégiés aux côtés des artistes et de l'équipe du théâtre.

Intéressé ?

Venez à notre rencontre, nous serons ravis d'échanger avec vous pour vous donner plus de détails et récolter vos envies !

→ Contact
Charlotte Saletzky
+33 (0)3 27 65 93 21
charlottesaletzky@lemanege.com

Tout savoir sur la saison 25-26

Antoine — 2024-06-18T10:36:56Z

Un Manège toujours en chantier = une saison 2025-2026 hors les murs. Ouverture de la billetterie et des PASS Manège dès le vendredi 27 juin et jusqu'au 11 juillet inclus. Tout savoir sur la saison 25-26 ? C'est ici !

Teaser Saison 25-26 - Manège Maubeuge
par Manège Maubeuge

https://vimeo.com/1096592040

Réserver et acheter ses places

→ Billetterie en ligne

→ Sur place en billetterie
Béguinage des Cantuaines, rue de la croix (en face du théâtre)

→ La billetterie est ouverte au public du lundi au vendredi de 13h30 à 18h et ouvre 1h avant chaque spectacle (dans la limite des places disponibles)

+ d'infos → Billets et PASS

J'achète mon PASS Manège

Le PASS Manège, c'est comme un bon d'achat valable toute la saison !

40 spectacles de votre choix pour 200€ (soit 5€ le spectacle) + navettes + le spectacle TOSCA (Opéra présenté à la Luna au tarif de 30€ + tous les autres spectacles incontournables au tarif spécial)
200€ ou 20€/mois voir modalités en billetterie

→ J'achète mon PASS en ligne

Avant de venir au spectacle

→ Je vérifie les informations pratiques du spectacle (âge conseillé, lieu et horaire de la représentation). Un théâtre (en travaux) peut en cacher un autre !
→ Les spectacles → Les lieux

→ Je peux donner ma place à la personne de mon choix si je ne peux pas venir… ou annuler. D'autres personnes pourront en profiter.

→ Je peux contacter l'équipe du Manège si j'ai une question ou besoin d'un renseignement. C'est toujours un plaisir d'avoir de vos nouvelles !
billetterie@lemanege.com / +33 3 27 65 65 40

Fermeture estivale de la billetterie du 12 juillet au 25 août inclus.
La billetterie en ligne reste ouverte !

« iTAK, un moment de transes, de transports artistiques et émotionnels »

Antoine — 2024-05-10T14:42:55Z

Au Manège de Maubeuge, l'effervescence est à son comble. Le directeur des lieux, Géraud Didier, en association avec plusieurs autres scènes du territoire allant de Valenciennes à Charleroi, ouvre ce 10 mai les portes de la troisième édition de son festival pluridisciplinaire et transfrontalier.

Propos recueillis par Olivier Frégaville-Gratian d'Amore
En partenariat avec L'Oeil d'Olivier

Comment est né ce temps fort de la saison ?

Géraud Didier : Il faut commencer par dire que Maubeuge a un héritage festivalier, porté historiquement par le Théâtre du Manège. iTAK est donc le petit dernier des festivals maubeugeois. Il est né après la pandémie, en 2022. Après l'annulation du festival en 2021 – qui s'appelait alors le Super Via et qui existait depuis 2 ans, nous avons voulu repenser ce temps fort de la saison. Un nouveau nom, de nouvelles coopérations artistiques, une nouvelle identité. Le Manège est nomade, en itinérance sur le territoire, l'idée de voyage s'est imposée et devait être fortement présente dans ce nouveau rendez-vous. Nous voulions aussi un nom court, rapide, simple. Faire référence à Ulysse, et l'île d'Ithaque, faire référence aux voyages et à des parcours que nous souhaitons proposer au public. iTAK était né. iTAK est aussi né à deux. La création de ce nouveau temps fort est le fruit d'un partenariat transfrontalier pour la 1ère édition, entre le Manège à Maubeuge et les Halles de Schaerbeek à Bruxelles.

Quel en est l'ADN ?

Géraud Didier : Il est celui des arts vivants d'abord. iTAK est un festival qui se veut pluridisciplinaire et accessible à tous, à fort tempérament artistique ! Une dimension régionale et transfrontalière bien sûr, cette idée du voyage. On décrit souvent iTAK comme un moment de transes et de transports artistiques, transports émotionnels avec les artistes invités, transports physiques avec les bus qui circulent de lieux en lieux, de la France à la Belgique. iTAK est un voyage, qui aime bousculer, étonner, déplacer le public, au sens propre comme au sens figuré. Une partie de son ADN est aussi l'espace public. Une clôture de festival, une journée où le Manège occupe les places de Maubeuge, un grand final populaire.

Pourquoi était-il important de créer un événement territorial et transfrontalier ?

Géraud Didier : Il était important de le faire pour rendre manifeste le périmètre d'intervention et de coopération du Manège. Nous voyageons sur tout le Val de Sambre et l'Avesnois et jusqu'en Belgique, la frontière est à 10 min de Maubeuge ! Cette dimension européenne et transfrontalière est historique, naturelle et légitime ici. iTAK est donc une association avec le Phénix de Valenciennes, MARS, Mons arts de la scène et Charleroi danse, en Belgique. Ce sont des navettes spectacles qui embarquent les festivaliers et les festivalières vers les îles voisines et partenaires. Ce sont aussi des mutualisations de moyens, des coréalisations, un effort conjoint de différents lieux pour réunir tous les publics et soutenir les artistes.

Lire la suite de l'entretien sur le site de l'Oeil d'Olivier >

Crédit photo Sami Belloumi

Tout le programme du Festival iTAK est en ligne !

Antoine — 2024-04-10T13:14:47Z

Retour à iTAK en mai prochain ! La 3e édition du Festival iTAK aura lieu du 10 mai au 1er juin 2024. Festival en dérives transfrontalières entre France et Belgique, iTAK 2024 consacre tous les arts de la scène et plus spécialement cette année la danse et la musique. Que retenir de cette nouvelle édition ?

iTAK 2024, c'est quand c'est quoi ?

Spectacles, danse, concerts, cirque et feux d'artifice, iTAK 2024, c'est trois semaines de festival du 10 mai au 1er juin 2024 pour clôturer la saison artistique du Manège, ensemble, et partir à la découverte des artistes et de la création contemporaine. iTAK 2024, c'est aussi un Grand final le samedi 1er juin à Maubeuge, gratuit et ouvert à tous.

Festival iTAK 2024 // 10 mai > 1er juin
par Manège Maubeuge

https://vimeo.com/932499834

Que peut-on voir à iTAK ?

En ouverture du festival, attablez-vous avec la compagnie Laika, dégustez un Repas de mer et apprenez à changer le monde depuis votre cuisine. Côté cirque, Man strikes back est un combat contre la machine : un jongleur tente de prendre le dessus face à des petites boîtes intelligentes et malicieuses.

Et si les élections américaines vous interpellent, iTAK vous invite outre-atlantique : Némésis est une traversée de l'oeuvre de l'un des géants de la littérature américaine, Philip Roth, forcément acerbe et déroutant, et Unbelievable ! un spectacle totalement décalé orchestré par la Cie Canicule, et surtout, très très américain, entre soirée casino, faux making-off et concours de sosies !

aSH - teaser
par Compagnie 111 - Aurélien Bory

https://www.youtube.com/watch?v=ItiXlZNPlto

Danse ! Danse ! Danse !

Du côté de la danse, laissez-vous hypnotiser par aSH et la danse de Shivalingappa, Étoile du Kuchipudi, danse sacrée et envoûtante de l'Inde. Embarquez pour les Écuries de Charleroi danse pour découvrir Carcaça (Carcass), l'énergie vitale de la danse de Marco da Silva Ferreira.

iTAK présente Chorégraphik !, le spectacle de la promo 2024 des ateliers chorégrahiques menés par Afid Zehknini avec neuf établissements scolaires du Val de Sambre et de l'Avesnois, et Secteur 7 déroule son tapis de danse Place des Nations pour Battle Le Ring 2024.

Grand final le samedi 1er juin

iTAK se termine avec un Grand final et les Feux d'iTAK. Cette année, un spectacle pyrotechnique étonnant et pleins de surprises préparé par les artificiers du Groupe F et l'incroyable performance des acrobates du CirkVOST à plus de 15 mètres de haut ! Rendez-vous dès 15h dans le centre-ville de Maubeuge pour naviguer de spectacles en spectacles, tous gratuit, et profitez de la scène musicale d'iTAK, entre danse et musique, Place Vauban.

CirkVOST // PIGMENTS
par Administrateur CirkVOST

https://www.youtube.com/watch?v=YzkN1bj6pu0

Bon festival !

A retenir

iTAK 2024
Du 10 mai au 1er juin

Tarifs
Gratuit > 5€ > 10€

Samedi 1er juin
Le Grand final à partir de 15h + Les Feux d'iTAK

Le site du festival >

Épisode 2. Cyber-harcèlement et Éducation aux médias

Antoine — 2024-02-22T09:41:54Z

Épisode 2 de notre programme de lutte contre le cyber-harcèlement et d'éducation aux médias. Après la metteuse en scène Laure Catherin, la journaliste Sophia Marchesin est à la rencontre des élèves du Val de Sambre du 8 au 15 février. Alors, il se passe quoi sur les réseaux sociaux, on en parle ?

Épisode 1 >

Le Manège : Sophia, est-ce que tu peux te présenter, ton parcours et qu'est-ce qui t'amène aujourd'hui auprès des élèves ?

Sophia Marchesin : Depuis treize ans, je suis journaliste indépendante et j'ai longtemps collaboré pour la Radio Télévision Suisse, la RTBF, Radio France, mais aussi pour des magazines ou des journaux français, en France, au Moyen-Orient et au Japon. Au début de ma carrière, j'ai eu la chance de découvrir le métier de reporter radio dans le nord, à France Bleu Nord à Lille, et je reste très attachée au territoire. En 2022, je suis revenue dans le Nord pour réaliser une résidence d'éducation aux médias avec la Communauté d'Agglomération. Cette expérience a été unique : pendant quatre mois, j'ai partagé ma passion pour mon métier à des ados dans des établissements scolaires, et j'ai créé aussi des ateliers radio ou d'écriture avec des adultes, dans des centres sociaux, avec des associations comme Mots et Merveilles ou l'AFEJI. J'ai adoré présenter mon métier à des personnes qui se sentent loin du "monde des médias". J'ai moi-même grandi à la campagne, dans une famille d'artisans et de paysans, personne dans ma famille est issu de ce milieu là. Du coup, ça me tient vraiment à cœur de parler de mon travail, souvent décrié, mais au fond mal connu.

J'ai adoré présenter mon métier à des personnes qui se sentent loin du "monde des médias".

LM : En quoi consiste tes ateliers-rencontres avec les jeunes, on y apprend quoi, on y fait quoi ?

SM : En ce moment, avec le Manège, nous avons mis en place une série de rencontres sur les questions du harcèlement. Pendant deux heures, avec des collégiens ou des lycéens, on échange beaucoup sur la façon dont on utilise les réseaux sociaux, et comment certains s'en servent pour communiquer ou parfois insulter, se venger, régler des comptes. À partir de photos, de tweets, de vidéos TikTok, on réfléchit ensemble aux différents types de discriminations punies par la loi. C'est un espace de parole et d'écoute, très instructif je pense pour eux, mais aussi pour moi.

LM : Quel est ton ressenti après cette série de rencontres, qu'en retiens-tu ?

SM : Je suis très surprise de voir que dès la sixième, les jeunes ont énormément d'histoires à raconter sur le harcèlement en ligne ou en dehors des écrans. Avec les plus grands, on aborde sans tabou l'homophobie, la transphobie, le sexisme, voire les violences sexuelles. Je ne suis pas sûre que cela aurait été possible il y a dix ans. Après, quand j'entends qu'une fille ne peut pas porter une jupe trop courte, sinon elle risque de se faire agresser verbalement ou physiquement, et qu'au fond... elle l'a un peu cherché... je me dis qu'il y a encore du boulot ! En règle générale, je sens que certains ados sont tiraillés entre des discours violents entendus à la maison, et leur niveau de tolérance qui évolue en grandissant. Dans tous les cas, même si le harcèlement sexiste par exemple perdure au delà de l'école, ils se sentent plus sensibles à ces questions là, moins réac que leurs parents, c'est rassurant !

Établissements scolaires partenaires

Collège Vauban - Maubeuge
Lycée Lurçat - Maubeuge
Lycée des Nerviens - Bavay
Lycée Pierre Forest - Maubeuge

En partenariat avec le PASS Culture.

Cabaret de curiosités 2024

Antoine — 2024-02-14T15:33:14Z

Le Manège Maubeuge s'associe cette année encore au Phénix de Valenciennes et propose deux spectacles à l'occasion du Cabaret de curiosités 2024. Rendez-vous les 14 et 15 mars avec les artistes et performeuses de la compagnie La Ponctuelle et la chorégraphe italienne Claudia Castellucci.

Soirée du jeudi 14 mars

Je suis une sirène + Portraits détaillés
Aurore Magnier et Lucien Fradin - Cie La Ponctuelle
Lauréate de La Croisée Hauts-de-France 2023
Infos et réservations >

Peau de Phoque (teaser au caméscope)
par La Ponctuelle Compagnie

https://www.youtube.com/watch?v=AxJL9MRmXMk

Soirée du vendredi 15 mars

Fisica dell'aspra comunione
Claudia Castellucci
Lauréate du Lion d'argent - Biennale de la danse de Venise
Infos et réservations >

17 - Fisica dell'aspra comunione - Claudia Castellucci Cie Mora // Ven 15 mars, 20h - Théâtre Léo Ferré Aulnoye Aymeries
par Manège Maubeuge

https://vimeo.com/859823710

2024-2025, le Manège en chantier

Antoine — 2024-02-06T14:20:30Z

En 2024, Le Manège Maubeuge entame une importante transformation architecturale du théâtre et une rénovation patrimoniale du béguinage des Cantuaines : agrandissement, réhabilitation, nouveaux espaces... Les équipes de Matador (Belgique) & TAG (France) ont été désignés architectes du projet de rénovation. Premières images.

En savoir plus sur le Nouveau Théâtre du Manège >

Le 26 janvier dernier, à l'occasion de l'inauguration de la maison des artistes du Manège, rue de la croix, étaient présentées les premières images du futur Théâtre du Manège. Le bâtiment historique du quartier de la Joyeuse à Maubeuge fermera ses portes d'ici l'été pour laisser place au lancement du chantier de rénovation. Un chantier important, qui marquera le développement de la scène nationale et de ses activités artistiques et culturelles pour les prochaines années.

Chorégraphik, nos collèges ont d'incroyables talents !

Antoine — 2024-01-25T15:25:17Z

Chorégraphik, c'est le projet d'ateliers danse initié par Le Manège avec le chorégraphe Afid Zekhnini à l'adresse des élèves et au sein même de leur établissement scolaire. Alors, on danse ? Top départ pour la nouvelle saison et rendez-vous en mai prochain pour le spectacle de la promo 2024 !

CHOREGRAPHIK! Manège Maubeuge & Afid Zekhnini
par Manège Maubeuge

https://vimeo.com/906059604

Chaque semaine, dans 9 collèges du Val de Sambre et de l'Avesnois, Le Manège et Afid Zekhnini invitent les élèves à ... danser et bouger ! C'est bien le coeur de ce projet initié par Le Manège il y a plusieurs années : bouger d'abord, se dépenser ensuite, et surtout, découvrir la danse et la pratique chorégraphique et peut-être créer de nouvelles vocations. Axel et Afid nous en disent un peu plus sur le projet.

Rendez-vous le mercredi 22 mai à La Luna de Maubeuge pour le spectacle de la promo 2024.

Les 9 collèges pour la saison 23-24
Léo Lagrange - Fourmies
Jean Lemaire - Bavay
Jules Verne - Maubeuge
Alfred Jennepin - Cousolre
Solrézis - Solre-le-Château
Jean Rostand - Sains-du-Nord
Charle de Gaulle - Jeumont
Vauban - Maubeuge
Jean Zay - Feignies

En partenariat avec l'Union Nationale du Sport Scolaire et le PASS Culture.

Épisode 1. Cyber-harcèlement et Éducation aux médias

Antoine — 2024-01-23T10:57:54Z

Du 22 janvier au 2 février, la metteuse en scène Laure Catherin et le comédien Gaëtan Vettier sont de retour à Maubeuge avec le spectacle Béquille, présenté au sein d'établissements scolaires du Val de Sambre, et des ateliers d'écritures et de jeu avec les élèves. Le Manège inaugure ainsi un programme de lutte contre le cyber-harcèlement et d'éducation aux médias. Entretien.

Épisode 2 >

Ton spectacle “Béquille / Comment j'ai taillé mon tronc pour en faire des copeaux”, pourquoi ce titre ?
Laure Catherin : Le spectacle tourne autour de la métaphore de la béquille, des stratégies de défense que l'on élabore en grandissant, et que l'on utilise dans certaines situations. La narratrice du spectacle se fabrique sans cesse des béquilles et elle s'imagine dans trente ans juchée sur une montagne de béquilles. L'idée, c'est de prendre de la distance, de changer de perspective et de considérer la montagne de copeaux qu'elle génère en taillant ses béquilles. “Copeaux”, c'est aussi une référence à l'un des personnages, Madame Copeau, institutrice de CE2.

Qui est cette narratrice ? Et pourquoi s'appelle-t-elle Chou-fleur ?
L. C. : Le Chou-fleur, c'est le surnom qu'on lui a donné dans les cours de récré, à cause de sa coupe de cheveux. La narratrice est à l'orée de l'âge adulte et elle prend conscience des schémas de répétition dans lesquels elle est embourbée. Pour changer tout çà, elle se demande ce qu'elle porte déjà en elle comme déterminismes, quelles sont les béquilles sur lesquelles elle a déjà pris l'habitude de s'appuyer, quelles sont les attitudes de protection qu'elle a adoptées face à la vie et qui la définissent déjà.

Quelles sont ces béquilles justement que la narratrice utilise ?
L. C. : Il y a en a deux principalement. Pour faire face à des situations difficiles ou offensantes, la narratrice utilise son imaginaire pour les transformer et les rendre drôles. Elle cherche à voir leur côté absurde pour prendre de la distance, en rire et moins les subir. Son autre béquille, c'est de “lever le menton pour rester digne”, c'est-à-dire faire comme si rien ne l'avait atteinte. Une fois qu'elle a identifié ses béquilles, elle se remémore les situations où elles sont apparues, et quand et comment elle les a utilisé.

Il est question également de harcèlement moral dans le spectacle, tu peux nous en dire plus ?
L. C. : Oui, c'est pour faire face aux situations les plus banales de harcèlement moral que la narratrice utilise ses béquilles. Cela peut commencer avec un proche, quelqu'un dans la famille, ou comme dans le spectacle un ou une prof qui à chaque fois qu'elle la voit lâche une remarque blessante. Le harcèlement moral est une forme de violence gratuite, répétée, qui peut grossir jusqu'à prendre des proportions démesurées. Peu de récits disent comment s'en sortir. Chou-fleur se considère au départ comme quelqu'un de non violent, et s'aperçoit qu'elle a aussi une part de violence en elle, révélée par les situations de harcèlement qu'elle a vécues.

Qu'est-ce qui t'a donné envie de monter ce spectacle, autour de ce sujet ?
L. C. : Le théâtre est un des moyens de sublimer ces situations banales de violence. J'avais envie d'écrire le personnage d'une femme qui raconte ces histoires et la découverte de sa propre part de violence. On a beaucoup de mal, dans notre société, à considérer et à admettre notre propre violence. On est peu encouragé.e à se poser cette question : pourquoi ai-je dérapé ? Qu'est ce que je fais d'une violence que j'ai commis ? Qu'est ce que je fais d'une violence que j'ai reçue, et comment faire pour ne pas la retransmettre ensuite ?

Le harcèlement est vécu douloureusement en milieu scolaire, et ton spectacle s'adresse plus particulièrement aux lycéens et aux jeunes adultes. Pourquoi ?
L. C. : Oui, c'est un moment où la confrontation à l'altérité est encore possible et même obligatoire. L'école concentre des situations de harcèlement moral parce qu'à ce moment là on est en pleine construction. On ne sait pas encore bien qui on est, l'altérité vient nous bousculer et la question des débordements se pose vraiment. Quand on devient adulte, on a un peu plus la possibilité de refermer notre cercle de fréquentations avec des gens qui nous ressemblent pour se sentir moins fragilisé.e.s. Mais cela ne résout évidemment pas le problème. Cette tranche d'âge est donc un moment formidable pour questionner notre rapport à l'altérité et interroger le "vivre ensemble".

Béquille / Comment j'ai taillé mon tronc pour en faire des copeaux
Spectacles et ateliers du 22 janvier au 2 février
Texte, mise en scène et jeu : Laure Catherin
Collaboration artistique et jeu : Gaëtan Vettier

Le texte Béquille / Comment j'ai taillé mon tronc pour en faire des copeaux est lauréat ARTCENA de l'Aide nationale à la création de textes dramatiques.

Source Université Rennes 2

Établissements scolaires partenaires

Collège Vauban - Maubeuge
Lycée Lurçat - Maubeuge
Lycée des Nerviens - Bavay
Lycée Pierre Forest - Maubeuge

En partenariat avec le PASS Culture.

[Focus Hamlet] Hamlet en double du 25 au 31 janvier

Antoine — 2024-01-09T11:42:58Z

En janvier, le Manège présente deux spectacles autour de la pièce de Shakespeare, Hamlet. Deux réécritures, deux interprétations de cette oeuvre inépuisable du théâtre. L'un concentre son regard sur Ophélie, l'amante d'Hamlet, l'autre prend place dans une Cour d'Assises reconstituée pour un procès hors normes.

Sources Sceneweb - Franceinfo

Souhaitant venger la mort de son père, Hamlet simule la folie et organise une pièce de théâtre dans le but d'amener son oncle à avouer sa culpabilité et sa mère à renoncer à son second mariage (qui a épousé le frère meurtrier). Voilà pour l'histoire d'Hamlet. Nathalie Garraud et Olivier Saccomano, directrice et directeur du Théâtre des 13 Vents à Montpellier donnent aujourd'hui la parole à Ophélie, l'amante d'Hamlet. Yan Duyvendack en fait lui, le procès.

Un Institut Ophélie affolé et affolant.

D'un côté, Nathalie Garraud et Olivier Saccomano s'intéressent au personnage d'Ophélie et érigent la jeune femme et sa parole hallucinée en modèle puissant pour éclairer la condition féminine des décennies passées. Institut Ophélie donne vie à une succession de tableaux qui, de l'avortement au combat politique en passant par le domestique, mettent en lumière les mécanismes d'oppression qui pèsent sur les femmes, l'assignation dont elles sont victimes et les différentes institutions – famille, nation, marché – et instituts – maisons, couvents, hôpitaux psychiatriques, musées – qui les menacent. Avec, toujours, en toile de fond, ces hommes, multiples et variés, qui veulent les faire rentrer dans le rang lorsqu'elles osent en sortir. Un Institut Ophélie affolé et affolant (Sceneweb).

Un procès à la Cour d'Assises.

De l'autre, une pièce originale. Please continue (Hamlet) de Yan Duyvendak et Roger Bernat réunit le temps d'une soirée de vrais magistrats et avocats pour mener devant le public le procès d'un jeune homme de banlieue difficile, Hamlet. Son crime ? Avoir tué d'un coup de couteau le père de sa petite amie Ophélie, qu'il avait pris pour un rat un soir beuverie. Le but de Yan Duyvendak avec ce théâtre-documentaire est d'offrir une "opportunité au public d'apercevoir une partie de la complexité du monde de la justice". Pour le metteur en scène, "rendre la justice, qu'est-ce que cela veut dire ? C'est tenter de démêler le vrai du faux pour définir ce qui est juste. Alors, théâtre, vraie vie ? Cette performance citoyenne brouille nos frontières.

Plus d'infos sur les deux spectacles

11 - Institut Ophélie - Olivier Saccomano & Nathalie Garraud // Jeu 25 jan, 20h - Atelier Renaissance Maubeuge
par Manège Maubeuge

https://vimeo.com/859816289

Institut Ophélie le jeudi 25 janvier à 20h au Théâtre du Manège* à Maubeuge

12 - Please continue - Yan Duyvendak & Roger Bernat // Mar 30, Mer 31 jan, 20h - Manège Maubeuge
par Manège Maubeuge

https://vimeo.com/859817102

Please continue (Hamlet) les mardi 30 et mercredi 31 janvier à 20h au Théâtre du Manège* à Maubeuge

Changement de salle

Contrairement à ce qui a été annoncé, ces deux spectacles ont lieu au Théâtre du Manège à Maubeuge. L'Atelier Renaissance étant actuellement fermé.

Les podcasts d'UBER GANG 3/3

Antoine — 2023-12-13T11:19:49Z

Du 6 au 8 avril 2023, le Manège Maubeuge accueillait la 5e édition du festival UBER GANG, festival des écritures féminines. Un temps fort inédit à l'initiative de Nora Granovsky, artiste infiltrée, et un collectif de femmes, autrices, comédiennes ou chanteuses... L'occasion de rencontres entre artistes et publics à ré-écouter en podcast.

Conversation #3 - Écrire avec la lumière et le corps*

00:00 / 1h10:

Émission enregistrée en direct et en public le samedi 8 avril 2023 au Théâtre du Manège à Maubeuge, avec Camille Dewaele et Théodora Guermonprez, danseuses et chorégraphes, Judith Leray, créatrice lumière, Milly Parkeur, chanteuse, musicienne, et animée par Sylvia Dubost, journaliste.

Épisode 1 > Épisode 2 >

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Les podcasts d'UBER GANG 2/3

Antoine — 2023-11-14T14:32:14Z

Conversation #2 - Écrire à partir de l'Autre*

00:00 / 1h22:

Émission enregistrée en direct et en public le vendredi 7 avril 2023 au Théâtre du Manège à Maubeuge, avec Ilona Fagotin et Iris Laurent, autrices, élèves de l'École du Nord, Cécile Morelle, comédienne et metteuse en scène, Sophia Marchesin, journaliste, et animée par Sylvia Dubost, journaliste.

Épisode 1 > Épisode 3 >

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Entretien avec Julien Gosselin, metteur en scène d'Extinction

Antoine — 2023-11-10T08:19:10Z

Associé à la Volksbühne de Berlin, Julien Gosselin a imposé une marque singulière dans le théâtre européen, avec des spectacles sombres et sublimes, où l'amour de la littérature se conjugue à des dispositifs multimédias pour une expérience totale. Il présente Extinction cette saison.

Propos recueillis par Mélanie Drouère, le 24 janvier 2023.
Printemps des Comédiens Montpellier 2023

Julien Gosselin, vous êtes artiste associé depuis deux ans à la Volksbühne de Berlin, comment décririez-vous cette fabrique théâtrale unique en Europe ?

Julien Gosselin : L'histoire de ce lieu, l'un des plus grands théâtres d'Allemagne et d'Europe, est très forte. Dans les années 80, en R.D.A., l'immense metteur en scène Frank Castorf en a été nommé directeur, qui a amené avec lui plusieurs auteurs et metteurs en scène, tel Herbert Fritsch, et tout un monde qui a révolutionné la mise en scène en Europe. Ce qui est magnifique avec ce théâtre, c'est qu'il fait perdurer quelque chose de l'héritage de l'Est, un théâtre qui ne cherche pas coûte que coûte à toucher des goûts internationaux. La beauté de la Volksbühne, c'est sa conscience immense, partagée par les acteurs, les metteurs en scène invités, l'équipe technique, l'équipe organisatrice et administratrice, du fait que ce qui se produit là doit être quelque chose de spécial, qui ne représente pas nécessairement le réel au sens du réalisme télé ou séries, mais propose des formes dangereuses, problématiques, étonnantes, « à côté ».

Est-ce cette philosophie qui vous a donné envie d'accepter cette association artistique pour trois ans ?

JG : Je me reconnais en effet dans cet état d'esprit, extrêmement rebelle, qui régit ce théâtre, tout à fait préservé bien qu'il s'agisse d'une très grosse institution. En ce moment, par exemple, ce théâtre est passionnant sur les questions d'activisme, notamment féministes, et toujours à côté du politiquement correct, se situant clairement du côté de la radicalité. C'est un théâtre très étonnant, particulier, pourvu de cet héritage très spécifique. Donc, quand on m'a proposé d'y être artiste associé, d'y aller, j'ai tout de suite dit oui. Parce que Frank Castorf a été un véritable modèle pour moi, même si je ne pense pas que Castorf aimerait pas être cité en « modèle » de quiconque (rire). Par ailleurs, peu connu en France, Christoph Schlingensief, un immense metteur en scène allemand complètement fou, qui animait aussi des émissions de télé, réalisait des films ou des performances ultra radicales, a travaillé à la Volksbühne. En fait, avec cette association, on m'a proposé de réaliser mon rêve de théâtre.

Votre nouvelle création - Extinction - travaille autour de textes de Bernhard et de Schnitzler, qu'est-ce qui a attiré votre attention à l'égard de ces œuvres et comment les articulez-vous ?

JG : La première impulsion de ce spectacle, c'était la lecture de textes de Bernhard. C'est un auteur destiné à me plaire, parce qu'il est extrêmement dur, sombre, radical ; au fond, il ne laisse rien passer. Je tournais autour de ses textes, je devais monter autre chose et puis je suis tombé sur Extinction. M'emparer de ce texte est devenu une évidence. C'est le récit d'un homme (qui sera une femme dans mon spectacle), un universitaire de cinquante ans travaillant à Rome, originaire d'un petit village autrichien qui s'appelle Wolfsegg, issu d'une famille bourgeoise, qui apprend la mort de son père, de sa mère et de son frère et qui, avant de se rendre aux funérailles, va, pendant à peu près 500 pages d'un monologue extrêmement dur, dézinguer tout ce qui est a trait à l'Autriche, aux mensonges liés au nazisme, à la bourgeoisie culturelle, la fausse littérature, la violence sociale. Il dit qu'il va « tout éteindre ». Mais on pourrait dire « tout brûler ». Il y a quelque chose d'un geste extrêmement violent. À la lecture, ça a été immédiat pour moi et en même temps ça m'a confronté à quelque chose.

Comment abordez-vous cette « négativité » ?

JG : Je veux travailler sur deux façons d'approcher la négativité. D'un côté, ce que l'on pourrait appeler le nihilisme, c'est-à-dire les auteurs avec qui j'ai grandi, tel Michel Houellebecq, même si je ne pense pas qu'il soit nihiliste, mais qui, d'une certaine manière, observe que tout est terminé, une façon de regarder la fin du monde avec résignation. Même si je la refuse simultanément, je sais que cette chose-là me constitue au fond : elle a été à la base de mon amour pour la littérature, de mes lectures adolescentes. Or j'ai pris conscience - et c'est la deuxième manière d'aborder la négativité - que cette première forme était complètement désuète, dépassée aujourd'hui par des gens plus jeunes que moi, des femmes notamment, chez qui elle prend la forme d'un non, qui porte une colère et, en ce sens, également la vie. C'est-à-dire qu'il peut y avoir quelque chose comme une négativité de combat, si j'ose dire. Il y a un non, une violence du non, un refus, une façon de tout détruire ou de tout brûler, qui en fait porte un pouvoir de vie. J'avais envie que le spectacle, en passant par Thomas Bernhard et d'autres auteurs, traite de cette question-là : à la fois de ce que l'on m'a appris et de ce que je vois aujourd'hui.

Vous avez composé une distribution mêlée entre actrices et acteurs de la Volksbühne et de votre compagnie, comment envisagez-vous la direction de cet ensemble ?

JG : Il y a à la fois des acteurs français et des acteurs allemands, c'est super, et c'était important pour moi que nous nous rencontrions. Et il s'agit des acteurs, mais aussi évidemment des techniciens, des musiciens, tout ce monde-là. Donc c'est une forme de rencontre au plateau. Je ne sais pas exactement ce que ça va donner mais cette perspective me rend heureux. En fait, je me suis toujours senti comme un metteur en scène européen. Avant de monter Les Particules élémentaires, j'avais été invité par le Festival d'Avignon dans le cadre du programme Kadmos, qui était un programme de rencontres de jeunes metteurs en scène, d'abord européens, puis de partout, et j'ai eu la chance de rencontrer plein de jeunes gens qui, pour certains aujourd'hui, continuent à faire du théâtre, des metteurs en scène libanais, italiens, turcs, congolais, et je me souviens qu'en rencontrant tous ces gens, la première chose qu'ils me disaient, c'était qu'ils ne pouvaient pas fonctionner sans l'Europe. Pour eux, être là au festival d'Avignon, c'était une manière de rencontrer des gens. Donc très tôt, je me suis dit qu'il n'y a bien que nous, Français, qui pensons être des artistes français (rire), parce que les gens d'autres nationalités fonctionnent en grande partie avec toute l'Europe. C'est important pour moi de continuer à travailler autour de ces questions du sur-titrage, de l'intégration de différentes langues, la question de mélanger plusieurs façons de jouer, plusieurs cultures ; tout cela a toujours été à l'intérieur de mes spectacles.

À voir également cette saison, DRAMA de Constanza Macras le jeudi 11 avril 2024, une production de la Volksbühne de Berlin.

Crédits photos Simon Gosselin

Comment sortir du Bunker du collectif Superamas ?

Antoine — 2023-10-18T21:11:51Z

Du 23 octobre au 8 novembre, le collectif Superamas est en résidence au Manège pour son nouveau spectacle : BUNKER. Une enquête haletante au coeur des théories complotistes, des témoignages, des experts... Et si ce n'était pas du théâtre ? Entretien avec le collectif.

Le Manège : Dans le précédent spectacle de Superamas, L'homme qui tua Mouammar Kadhafi, vous invitiez un ancien agent de la DGSE sur scène. Cette fois, dans BUNKER, c'est la soeur d'une victime d'un gourou ? Vous pouvez nous en dire plus, qui est-elle ?

Collectif Superamas : Pauline Paolini raconte l'histoire d'Emmanuelle, sa soeur jumelle. Pauline est actrice - on a pu la voir dans la série de France 2 Un si grand soleil- mais ce n'est pas à ce titre qu'elle est présente sur scène. Elle est interviewée en direct (comme l'était l'ancien agent de la DGSE) afin de témoigner de la trajectoire tragique de sa sœur à qui un cancer du sein a été diagnostiqué. Elle supporte mal la chimiothérapie et cherche le moyen d'en alléger les effets secondaires. Malheureusement, elle tombe sur une sorte de gourou 2.0, quelqu'un qui se présente comme naturopathe, elle va complètement adhérer à son discours et elle en paiera le prix... Pauline est le témoin de cette dérive, elle nous en raconte l'histoire.

LM : On aura donc compris que le sujet du spectacle, ce sont les théories complotistes et ses dérives sectaires...

CS : Le complotisme tel qu'il se développe aujourd'hui, ce sont les nouvelles dérives sectaires. Avec les réseaux on n'est plus obligé de porter une aube blanche, d'avoir les pieds nus et de faire du tambourin pour monter une secte et faire des victimes. A présent, ça peut se faire beaucoup plus simplement : un ordinateur, une bonne connexion, un discours bien rôdé et c'est parti ! Le complotisme a souvent les mêmes origines et les mêmes fonctions que les sectes : la maladie, les fragilités psychologiques, les médecines alternatives, la recherche de sens sont des entrées fréquentes... comme le new age dans les années 80.

LM : Je crois que l'on pourra aussi entendre dans le spectacle des témoignages d'experts ? Qui sont-ils ? Que nous disent-ils ?

CS : Les spectateurs vont le découvrir ! On peut citer Thierry Ripoll, professeur de psychologie cognitive à l'Université d'Aix-Marseille, auteur du livre Pourquoi croit-on ? Il présente les deux modes de traitement de l'information dont notre cerveau dispose. Il y en a un, c'est le mode intuitif, qui est très ancien dans l'histoire évolutive. C'est un mode de traitement de l'information qui est sensible à la dimension émotionnelle. Et il a une composante hédonique, c'est à dire qu'il est destiné à se faire plaisir. Mais ce mode intuitif conduit souvent aussi à des croyances infondées et à des erreurs de raisonnement. L'autre, le mode analytique, est un mode de traitement de l'information tout à fait différent. Il est beaucoup plus coûteux cognitivement. Il demande un effort. Et chacun de nous dipose de ces deux modes de traitement de l'information et en fonction du contexte, de l'environnement, on va plutôt exploiter l'un, ou exploiter l'autre. Or la maladie, ça accroit le niveau de stress. Et stress, sentiment de perte de contrôle, perte de sens : le système intuitif est aux anges. Une épidémie mondiale, par exemple, ça peut créer ce stress. On cherche à lui donner un sens, et ce faisant on risque de se tromper.

BUNKER est un travail documentaire et documenté !

LM : Vous convoquez la psychologie, mais pas seulement, et du côté du collectif, vous vous êtes longuement documenté non ?

CS : Oui, nous avons rencontré Emmanuelle Danblon, professeure de rhétorique à l'ULB, l'Université Libre de Bruxelles. Elle appartient au « Centre Perelman », qui est particulièrement réputé dans le champ de la rhétorique. Emmanuelle Danblon étudie le discours complotiste depuis de nombreuses années. Et aussi Sebastian Dieguez, chercheur en neurosciences à Fribourg en Suisse, qui est l'auteur de plusieurs livres sur le complotisme. Il est un peu iconoclaste dans le paysage universitaire, il parle lui de croivance et fait la distinction entre théorie du complot et complotisme. Pour lui le complotisme dépasse largement l'adhésion à tel ou tel narratif, c'est un véritable style de vie, une manière de voir le monde. Et nous nous sommes, bien sûr, documentés : essais, articles de presse, papiers scientifiques, émissions de vulgarisation… BUNKER est un travail documentaire et documenté !

LM : Le spectacle s'appelle BUNKER. Le bunker est un abri de protection, un espace confiné… pourquoi ce titre ?

CS : Le bunker est un espace où l'on est en sécurité, à l'étroit c'est vrai, mais bien protégé. C'est solide, bétonné, c'est une position imprenable. Sauf que d'un bunker, on regarde le monde par une meurtrière, par une petite fente. Et on a donc une vision limitée, qui ne correspond que partiellement à la réalité. C'est un peu la caverne de Platon. Ou le cantique de Luther, mis en musique par Bach qui dit : « notre Dieu est une fortification imprenable » . Au fond, c'est ça une croyance : elle protège, elle stabilise, mais elle enterre aussi. A partir d'elle, notre vision du monde est déformée, elle devient un point de vue. Mais est-ce que ce point de vue est le bon ?

BUNKER c'est du théâtre d'aujourd'hui.

LM : BUNKER, c'est aussi votre propre expression de faire théâtre ? Alors, on y sort comment du bunker ?

CS : Pour nous, BUNKER c'est du théâtre d'aujourd'hui. On n'est pas du tout dans la reproduction des codes traditionnels du théâtre, mais dans une recherche qui, sur la forme, essaie d'interroger le cadre théâtral et notamment la fameuse suspension de l'incrédulité, et dans le fond s'intéresse et questionne le monde dans lequel on vit. L'idée d'ailleurs n'est pas forcément de donner des réponses : ce sont les scientifiques qui donnent des réponses et les curés des leçons de morale. Nous, on préfère que le spectateur sorte de la salle en se posant des questions… on essaie donc de l'amener à réfléchir à quelque chose dont l'actualité nous montre de plus en plus souvent les conséquences tragiques.

LM : Çà voudrait dire qu'on a abandonné la fiction aux complotistes, ou qu'ils sont plus efficaces que les artistes ?

CS : Une partie des gens qui ont envahi le Capitole à Washington en 2021 sont des Qanon qui pensent que les élites boivent le sang des enfants. L'auteur de l'attentat de Christchurch en Nouvelle-Zélande en 2019 est lui convaincu que les élites mondiales organisent le grand remplacement de la population… Des exemples comme ceux là, qui conduisent à des morts, se multiplient ces dernières années. Donc ce ne sont pas juste des délires innocents. Or pour comprendre comment ces théories se propagent, nous pensons que le théâtre peut avoir une place. Les propagateurs des théories complotistes puisent systématiquement leurs schémas narratifs dans les récits fictionnels, contemporains ou plus anciens. Toutes ces théories sont construites comme les séries, les récits de super héros ou la mauvaises science-fiction ! Donc si les complotistes s'emparent des méthodes des auteurs de fiction, il est légitime qu'en retour les artistes interrogent ces versions dégradées de leurs récits.

BUNKER les 7 & 8 novembre 2023

Crédit photo Superamas

Les podcasts d'UBER GANG 1/3

Antoine — 2023-10-16T17:58:29Z

Conversation #1 - Écrire avec le son et les mots*

00:00 / 1h0:

Émission enregistrée en direct et en public le jeudi 6 avril 2023 au Théâtre du Manège à Maubeuge, avec Laure Catherin et Sarah Lecarpentier, comédiennes et metteuses en scène, Nora Granovsky, metteuse en scène, et animée par Sylvia Dubost, journaliste.

Épisode 2 > Épisode 3 >

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De quoi le Stabat Mater est-il le nom ?

Antoine — 2023-09-20T17:37:52Z

Du 11 au 28 septembre 2023, le Manège accueille les équipes artistiques de la Phenomena et de la Tempête pour la création d'une version originale et contemporaine du Stabat Mater de Domenico Scarlatti, une oeuvre baroque envoûtante pour un spectacle iconoclaste. Entretien avec Maëlle Dequiedt, à la mise en scène, et Simon-Pierre Bestion, à la direction musicale.

Propos recueillis par Simon Hatab, dramaturge.

Deux artistes d'une même génération à la rencontre d'une oeuvre intemporelle

Le point de départ du projet Stabat Mater, initié par Les Bouffes du Nord, est l'œuvre de Scarlatti, réécrite dans une version inédite pour 10 chanteur·ses-instrumentistes. Comment est né le désir de la mettre en scène dans un spectacle qui réunirait au plateau comédien·nes et musicien·nes ?

Maëlle Dequiedt : Pour ma part, j'avais envie de mettre en scène une œuvre purement musicale : une œuvre qui, à sa création, n'était pas destinée à être représentée sur scène et dont nous mettrions à jour la théâtralité intérieure. J'en ai fait part à Olivier Mantei, avec qui j'étais en discussion. Il m'a suggéré de rencontrer Simon-Pierre, parce qu'il a un rapport très libre aux œuvres qu'il dirige. C'est en parlant avec lui que nous nous sommes fixés sur ce Stabat Mater.

Simon-Pierre, te souviens-tu à quand remonte ta première rencontre avec cette œuvre ?

Simon-Pierre Bestion : J'ai découvert ce Stabat Mater à l'époque où j'étais chef-assistant et claveciniste d'un ensemble baroque. Nous avions travaillé l'ouvrage pendant près d'un an, ce qui m'avait laissé tout le temps de l'apprivoiser, de développer avec lui une relation à la fois profonde et libre.

Je souhaitais aller plus loin en me laissant guider par la musique plutôt que par un récit.

Maëlle, ton précédent spectacle - I Wish I Was - racontait l'histoire d'un groupe amateur qui partait donner un concert dans le Nord. C'était déjà la musique qui - si je puis dire - menait les personnages où elle voulait, non ?

MD : Je souhaitais aller plus loin en me laissant guider par la musique plutôt que par un récit : partir de la musique, s'en écarter, y revenir, la laisser générer des gestes, des images, des paroles, des fictions éphémères qu'on laisserait vivre un temps puis mourir… En un mot, laisser la musique générer et régénérer le spectacle.

SPB : Pour moi, la musique de Scarlatti est avant tout picturale. Elle est affaire de sensations. Partant de la scène du Stabat Mater - c'est-à-dire de la Vierge qui se tient au pied de la croix - l'œuvre tend vers une certaine abstraction. Elle permet le surgissement de visions plastiques fortes.

Aux origines... la musique et une partition pour 10 voix

Comment décrirais-tu cette musique ?

SPB : C'est une œuvre chorale, collective, une partition polyphonique écrite pour 10 voix, à l'inverse de beaucoup d'ouvrages baroques qui mettent en avant des solistes. Elle nous offre un espace pour réunir des artistes très différents. Je connaissais le travail de Maëlle, je savais qu'elle raconte souvent des communautés au plateau.

MD : Dans Stabat Mater, cette choralité rejoint la communauté réelle que nous construisons sur scène avec les comédien·nes et les musicien·nes.

La frontière entre la fiction et le réel est souvent mince dans tes spectacles. Tu parlais tout à l'heure de “fictions éphémères” : j'ai l'impression que le spectacle se construit aussi comme une suite de performances pour lesquelles tu travailles à partir de propositions des interprètes…

MD : Oui, je demande souvent aux comédien·nes d'apporter en répétitions des matériaux personnels pour construire des improvisations. Parfois, ils nous expliquent d'où viennent ces matériaux. D'autres fois, ils restent mystérieux et c'est très bien comme ça. C'est une manière pour nous de nous “accrocher” à l'œuvre, de nouer avec elle des liens étroits et secrets. Je crois que la musique du Stabat Mater, ce qu'elle charrie, nous secoue profondément : comme une onde qui se propagerait à travers le temps et qui viendrait déterrer des vestiges enfouis de nos vies, de nos rapports intimes, de nos histoires familiales…

On dirait également que les rituels qui se développent au plateau sont hantés par des formes telles que le concert ou le récital…

MD : Oui, le point de départ du spectacle, c'est l'exécution de l'œuvre dans l'adaptation qu'en a réalisée Simon-Pierre. C'est comme un contrat passé avec le public : 4 comédien·nes et 10 musicien·nes se présentent devant vous et vont performer le Stabat Mater de Scarlatti.

Je crois que la musique du Stabat Mater, ce qu'elle charrie, nous secoue profondément.

Le Stabat Mater, le Pape et le Vatican : quelle histoire !

Comment Stabat Mater se situe-t-il dans la vie de Scarlatti ?

SPB : Domenico Scarlatti est passé à la postérité pour avoir composé 555 sonates pour clavecin d'une invention formelle extraordinaire, qui font de lui le précurseur de Haydn, Mozart et Beethoven. Si l'on fait exception de ces sonates, on a retrouvé assez peu de ses manuscrits. Son œuvre demeure confidentielle. Il a longtemps vécu dans l'ombre de son père - Alessandro Scarlatti - avec lequel il semble avoir entretenu une relation ambiguë : il s'est formé auprès de ce père qui croyait en son talent et l'accompagnait dans ses tournées, tout en paraissant inhibé par l'imposante stature de ce prolifique compositeur d'opéra et de musique sacrée.

Dans quel contexte l'œuvre a-t-elle été créée ?

SPB : Elle date vraisemblablement de la période romaine de Scarlatti. Il occupait l'emploi de maître de chapelle à la Capella Giulia et il est probable que le Stabat Mater soit une commande du Vatican pour la basilique Saint-Pierre de Rome. Dans le paysage musical italien, Rome a toujours été une ville à part, du fait de la présence des papes : à l'époque de Scarlatti, la musique sacrée semble y être placée sous une chape de plomb esthétique, dont la figure emblématique est la musique de Palestrina, l'illustre compositeur de la Contre-Réforme.

En quoi consistait cette “chape de plomb esthétique” ?

SPB : Des lignes épurées au service de l'intelligibilité du texte sacré, une polyphonie savante mais qui n'engageait pas d'émotions physiques.

Je dirais que le Stabat Mater est plutôt “désobéissant” : il y a un rapport direct à l'émotion et à la sensualité.

Maëlle évoquait tout à l'heure la théâtralité “intérieure” de l'oeuvre. Irais-tu jusqu'à parler de théâtralité “interdite” ?

SPB : L'Église a toujours eu peur du corps et de ce qui y est rattaché, plus encore à l'époque. Le pape Clément XI, qui régnait lorsque fut composé le Stabat Mater, était connu pour détester le théâtre et les spectacles scéniques. En 1703, suite à un tremblement de terre en Italie, il avait fait fermer les théâtres, prétextant rendre grâce à la Vierge pour avoir épargné Rome…

Comment se situe Scarlatti face à cette influence politique et esthétique de l'Église ?

SPB : Bien qu'étant une œuvre de commande, je dirais que le Stabat Mater est plutôt “désobéissant” : il y a un rapport direct à l'émotion et à la sensualité. La polyphonie détourne et déborde le cadre, ses injonctions et ses assignations. Les voix percent de toute part le voile mortifère. C'est une musique qui s'ancre profondément dans la terre, elle est pleine de désir, elle appelle le corps.

Une mise en scène en écho à notre époque

Partant de l'œuvre, comment s'est construit le spectacle ?

MD : L'œuvre est comme une pierre que nous arracherions au sol et qui grossirait au fur et à mesure que le sable se retire, découvrant avec elle tout un pan de notre histoire - de nos histoires. Le Stabat Mater est un fragment de culture face auquel nous nous situons aujourd'hui, comme un visiteur qui, dans un musée, chercherait la bonne distance pour regarder un tableau.

C'est-à-dire ?

MD : Les œuvres existent à travers notre regard qui les modifie. La musique de Scarlatti porte en elle - littéralement - la scène de cette mère qui se tient debout face à son fils, qui se dresse envers et contre tout. Elle porte bien sûr le contexte de sa composition, à Rome au début du XVIIIe siècle, à une époque où - comme l'a dit Simon-Pierre - le pouvoir religieux a la mainmise sur la création artistique. Mais elle porte également les trois siècles qui s'étendent de sa composition à nos jours : comme une fresque à travers les époques, un voyage à travers le temps et l'espace… Le spectacle est composé de ces strates que l'on creuse, de ces calques que l'on enlève. Ce que l'on découvre, à la fin, c'est nous-même.

Hanté par la famine, la peste, la guerre... Il parle à notre époque.

Ce mouvement que tu évoques et qui irait de l'Histoire vers la subjectivité rappelle le poème de Jacopone da Todi sur lequel Scarlatti a composé : ce poème qui commence par le “elle” de la Vierge et s'achève par le “je” du poète, comme une forme d'introspection… Ce poème t'a-t-il inspiré ?

MD : Oui, même si nous avons pris le parti de ne jamais l'illustrer. Ce poème médiéval est témoin d'un monde en crise, hanté par la famine, la peste, la guerre... Il parle à notre époque.

SPB : Comme pour la musique, ce texte du Stabat Mater est traversé par bien d'autres choses qu'une simple description de la Vierge au pied de la croix. Il ne raconte pas d'histoire. C'est un instantané : il tourne autour d'une scène pour la découvrir sous différents angles.

Des commentateurs ultérieurs ont d'ailleurs reproché à Jacopone da Todi d'avoir projeté un peu trop de lui-même dans sa relation à la Vierge…

MD : Il a écrit ce poème après la mort prématurée de son épouse survenue dans un accident lors d'une fête… On dirait qu'à travers cette femme qu'il observe de loin, il cherche à comprendre, à toucher celle qu'il a perdue. Il y a aussi une forme de poésie brute qui laisse surgir des images fulgurantes : le sang, le feu, le fouet, la blessure, l'âme transpercée par un glaive...

Des corps au coeur de l'adaptation musicale

L'adaptation musicale réalisée par Simon-Pierre s'est écrite en grande partie au plateau, pendant les différentes sessions de répétitions. Pouvez-vous en dire quelques mots ?

MD : Dès le départ, nous avons rêvé une musique qui suivrait la construction progressive du spectacle et l'évolution dramaturgique du projet, une musique qui surgirait du plateau ici et maintenant et qui serait le produit de la diversité des interprètes. Interprètes qui, je dois dire, sont tous formidables. Avec Simon-Pierre, nous avons choisi chacun d'entre eux pour sa personnalité unique. Nous n'aurions jamais pu imaginer le projet sans leurs tempéraments…

Simon-Pierre, tu as dit que la musique de Scarlatti appelait le corps et il y a effectivement dans ton adaptation des moments très rythmiques et très bruts…

SPB : Je pense qu'au cours de notre processus de travail, le plateau nous a permis de libérer des énergies contenues dans la musique à l'état latent, trop souvent confinées dans la religiosité de certaines interprétations historiques. La musique de Scarlatti est riche de toutes les expériences qu'il a traversées. Il est originaire de Naples, ville cosmopolite, électrique, au confluent des cultures… Je crois que l'on entend aussi dans la musique d'un compositeur toutes les vies qu'il n'a pas vécues.

La musique de Scarlatti s'ancre profondément dans la terre, elle est pleine de désir, elle appelle le corps.

Stabat Mater • Teaser
par Théâtre des Bouffes du Nord

https://vimeo.com/864299045

Stabat Mater le jeudi 28 septembre à 20h.

Crédits photos Jean-Louis Fernandez

Des apéros présentation de saison chez vous

Antoine — 2023-09-12T09:04:25Z

L'équipe du Manège était conviée la semaine dernière chez Vincent, spectateur infiltré, pour un apéro-présentation de saison à domicile, aux côtés d'amis et collègues. Une façon conviviale et privilégiée de parcourir la saison 23-24. Si vous voulez nous accueillir chez vous, dites le nous !

Vous êtes spectatrice et spectateur abonné, fidèle ou vous désirez simplement participer plus étroitement à l'aventure du Manège ? Embarquez à nos côtés, et rejoignez les spectatrices & spectateurs infiltré.e.s.

Vous deviendrez alors ambassadrice et ambassadeur du Manège. Votre mission ? Parler des spectacles à votre famille, vos amis et collègues, susciter leur désir de découvrir la programmation et nous aider à élargir le réseau des amoureuses et amoureux du spectacle vivant. Le Manège pourra mettre à votre disposition des invitations et des billets à tarifs réduits à offrir à de nouveaux spectatrices et spectateurs, curieux mais timides.

Être spectatrice ou spectateur infiltré·e, c'est aussi ressentir plus intensément le bouillonnement du théâtre. Nous concoctons notamment des moments privilégiés, rien que pour vous, avec les artistes et les équipes du théâtre.

Je m'inscris ?

Contact
Charlotte Saletzky
+33 (0)3 27 65 93 21

La saison 23-24 en vidéo

Antoine — 2023-09-04T09:14:11Z

Bande annonce de saison
Durée 1min40

Le Manège Maubeuge - Saison 23-24 Teaser
par Manège Maubeuge

https://vimeo.com/837476354?share=copy

Le film de la présentation de saison
Durée 50min

ÉMISSION PRÉSENTATION DE SAISON 23-24 // LE MANÈGE MAUBEUGE - SCÈNE NATIONALE TRANSFRONTALIÈRE
par Manège Maubeuge

https://vimeo.com/872535062

Tous les spectacles...en vidéo !

Retrouvez sur la page de chaque spectacle une vidéo de présentation par les équipes du Manège. En 1 min, nous espérons vous donner envie de venir nous rejoindre pour découvrir tous les artistes de la saison !

Réalisation Machine sauvage
Graphisme Brokism

On air ! L'émission des petits reporters inflitrés

Antoine — 2023-08-31T09:41:26Z

Attention émission radio unique ! Les petits reporters infiltrés, c'est d'abord une action culturelle avec les jeunes autour des métiers du journalisme et de la culture. Aujourd'hui, c'est une émission de radio, faites par elles et eux. À écouter, réécouter et à partager sans modération. On air !

00:00 / 1h9:

Durée 69min - 2022

Aux côtés de la journaliste indépendante Sophia Marchesin, Le Manège a initié un projet intitulé Petits reporters infiltrés, mené auprès des élèves du club médias du Collège Jean Zay de Feignies mais également d'enfants du Centre social de l'Épinette de Maubeuge. Pendant plusieurs semaines, et à l'issue d'une première étape de sensibilisation au métier de journaliste, ces jeunes reporters sont allés à la rencontre des équipes artistiques accueillies au théâtre et des équipes du Manège, à la découverte de tous les métiers - technique, production, relations avec les publics, direction.

L'ambition était d'initier les enfants et les jeunes ados au journalisme, tout en leur proposant de découvrir les métiers du spectacle vivant. Le résultat, un podcast radiophonique, une émission radio en conditions réelles, avec reportages, interviews et invités en studio !

Vous y retrouverez les interviews de Seb, Johan, Géraud, des équipes artistique de la Rustine, du spectacle Stevensongs, mais aussi Antoine et Axel, les invités de l'émission spéciale, animée et présentée par Sophia Marchesin et Antoine Credis. Bonne écoute !

Projet soutenu par la CAF - Dans le cadre du CLEA 2022 Maubeuge-Val de Sambre

Crédits photos AD

Manège Le Phénix Grands formats, 2 théâtres, 5 spectacles

Antoine — 2023-08-31T08:30:18Z

Cette saison, le Manège Maubeuge et le Phénix de Valenciennes renforcent leur coopération. Objectif : être plus fort à deux pour accueillir les artistes et continuer de partager avec tous les publics de grands rendez-vous artistiques internationaux.

Géraud Didier, Directeur du Manège
Romaric Daurier, Directeur du Phénix

DRAMA de Constanza Macras le 11 avril 2024 à La Luna

Pour la saison 2023-2024, le Phénix, Scène Nationale et Pôle européen de création Valenciennes et le Manège Maubeuge, Scène Nationale transfrontalière, ont décidé exceptionnellement d'unir leurs forces pour ne pas renoncer à accueillir des créations de grande ampleur, dans un contexte de crise économique et énergétique post-covid.

Par un dialogue suivi entre les structures sur la vivacité des artistes de la scène régionale, française ou européenne, nous avons décidé de mutualiser nos ressources pour permettre de présenter à Maubeuge ou Valenciennes des gestes artistiques pour grands plateaux, faisant appel à des distributions importantes et des écritures scéniques audacieuses.

Pour permettre d'affirmer que le meilleur de la création peut se trouver sur les territoires et pas seulement dans les capitales ou les métropoles, nous avons choisi l'intelligence collective contre le repli sur soi, et continuer d'affirmer l'ADN de la décentralisation culturelle pour présenter les « grandes œuvres de l'humanité au plus grand nombre ».

Des parcours de spectateurs, navettes conviviales et sensibilisations communes sont imaginés pour touchés un large public sur le territoire du Grand Hainaut.

Soyez nombreuses et nombreux à nous rejoindre !

Les spectacles à découvrir

Samedi 18 novembre 2023
Extinction de Julien Gosselin France / Allemagne
Le Phénix, Valenciennes / NEXT Festival
Coréalisation, coproduction, navette spectacle

5 - Extinction - Julien Gosselin // Sam 19 nov, 16H - Le Phénix Valenciennes
par Manège Maubeuge

https://vimeo.com/859816040

Mercredi 27 mars 2024
Café Müller (Club Amour) de Pina Bausch avec le Tanztheater Wuppertal, direction Boris Charmatz France / Allemagne
Le Phénix, Valenciennes
Navette spectacle

Jeudi 11 avril 2024
Drama de Constanza Macras Allemagne / Argentine
La Luna, Maubeuge
Coréalisation, navette spectacle

DRAMA (2023) Trailer - Constanza Macras / Dorky Park - Volksbühne
par Constanza Macras / Dorky Park

https://youtu.be/eY4H71Pl6Ko

Mercredi 15 et jeudi 16 mai 2024
Némésis de Tiphaine Raffier France
Le Phénix, Valenciennes / Festival iTAK
Coréalisation, coproduction, navette spectacle

Vendredi 17 mai 2024
aSH d'Aurélien Bory et Shanta Shivalingappa France / Inde
La Luna, Maubeuge
Navette spectacle

aSH - teaser
par Compagnie 111 - Aurélien Bory

https://www.youtube.com/watch?v=ItiXlZNPlto

Crédits photos Thomas Aurin

Rencontre au plateau avec... Géraud Didier

Antoine — 2023-07-15T08:30:00Z

[Archives] Regardez, écoutez ou re-visionnez la rencontre au plateau avec Géraud Didier, directeur du Manège. À la sortie de la crise sanitaire en 2021, il nous disait tout sur les missions de la Scène Nationale : rôle, état d'esprit, artistes, danse, théâtre, publics, aujourd'hui et demain.

Interview : Géraud Didier, Manège Maubeuge
par Manège Maubeuge

https://vimeo.com/646437427

Durée 15min - 2021

Conception & réalisation
Vincent Hermy

Résidence d'artistes : Péplum médiéval, nouvelle création

Antoine — 2023-07-06T16:55:15Z

Vous le connaissez déjà, Olivier Martin-Salvan était en 2023 à Maubeuge, avec Pierre Guillois. Ils présentaient tous les deux, Les Gros patinent bien, cabaret de cartons. Plein succès ! Olivier Martin-Salvan est revenu en juin à Maubeuge, cette fois en résidence pour sa nouvelle création : Péplum médiéval.

Lundi 19 juin

Arrivée des équipes artistiques et premières installations. L'atelier de confection des costumes prend place dans le hall du théâtre et le décor prend forme sur la scène du Manège. La scénographie et les costumes du spectacle ont été imaginés par Clédat & Petitpierre et les décors, comme les costumes, conçus par les équipes des ateliers du Théâtre National Wallonie-Bruxelles.

Mardi 20 juin

C'est cette idée du village où tout le monde vit ensemble, du plus jeune au plus vieux, comme au Moyen-Âge. Olivier Martin-Salvan, metteur en scène et comédien

Avec Péplum médiéval, une pièce d'envergure, le metteur en scène Olivier Martin-Salvan souhaite explorer les richesses humaines et artistiques d'une période historique méconnue : le Moyen Âge. Inspiré par le souffle poétique de cette époque, il a puisé dans l'humour et le sentiment du merveilleux qui la caractérisent. La danse, les corps, les gestes, mais aussi le décor, les costumes, la musique, accompagnent la narration, tissée de jeux, de chants, de rituels et de scènes comiques.

Olivier Martin-Salvan s'entretien avec la Voix du Nord. Après une visite des décors et des coulisses, entretien au plateau > les articles ici & ici.

Jeudi 22 juin

Mot de bienvenue avec les équipes du Manège et toute l'équipe de Péplum juste après le déjeuner : bienvenue à toutes et tous ! Cette résidence est importante pour la compagnie - technique, sons, lumières, costumes, jeu... Reprise des répétitions en septembre et premières devant le public début octobre à Grenoble. Une résidence artistique de cette envergure permet au Manège exploiter tous les potentiels du campement des artistes : des espaces techniques aux hébergements.

Nous sommes heureux d'être ici à Maubeuge !

Vendredi 23 juin

Mission pour l'équipe des relations avec les publics : trouver une doublure à Olivier Martin-Salvan pour les répétitions à venir ! En quelques heures, nous avons trouver la perle rare. Merci David, qui a vécu l'expérience des répétitions cinq jours durant, au coeur de la création. Et mission accomplie pour nous !

Le plaisir des planches par une confiance et une envie débordante d'apprendre. David, doublure du roi

Mercredi 28 juin

Les équipes de plusieurs théâtres en France (Amiens, Arras, Perpignan Paris, Nantes...), et en Belgique (Bruxelles) qui accueilleront le spectacle la saison prochaine ont été invitées par la compagnie : rencontres, échanges autour de la création et répétition ouverte. L'occasion aussi de présenter le CNCA - Centre National pour la Création Adaptée basé à Morlaix (29), le lieu où officie la Troupe Catalyse et ses artistes en condition de handicap.

Cette journée nous permet de fédérer les publics autour du spectacle. Colomba Ambroselli, directrice de production

Jeudi 29 et vendredi 30 juin

Malgré un temps capricieux, une soirée dans les jardins des Cantuaines a permis aux équipes artistiques d'être ensemble, de partager un repas avant le grand départ. Le lendemain, dernier filage du spectacle au terme de cette résidence, même si la fatigue se fait sentir. C'est l'heure du grand départ. Repas, hébergements... au total, 45 personnes ont investi le Manège pour les répétitions de ce spectacle. Merci à toutes les équipes de Péplum et rendez-vous en janvier à Bruxelles !

Péplum médiéval d'Olivier Martin-Salvan
En résidence au Manège du 19 au 30 juin 2023
Voir le spectacle en janvier 2024 >

Crédits photos ML / AD

Édito de la saison 23-24

Antoine — 2023-06-29T07:08:27Z

La nouvelle saison artistique du Manège Maubeuge est ouverte. Une saison singulière. Singulière, alors que l'époque s'accélère, que les enjeux économiques, sociaux, environnementaux, géopolitiques ou énergétiques s'imposent à chacune. Singulière, car cette saison sera hors-les-murs et que les travaux de rénovation débutent. Édito.

L'édito
de Géraud Didier

Sic parvis magna
(Les grandes choses naissent de petits commencements).

L'important est souvent dans la vie d'y croire sans renoncer, de poursuivre l'aventure, de ne pas lâcher l'affaire. Ce sont les interruptions brutales qui sont tristes. Triste aussi est le sentiment de fatigue, quand il vient alors en justification du geste d'abandonner. Même si les difficultés existentielles, comme le coût de la vie, tragiquement augmentent, les artistes ne sont pas tristes. Et les directions de structures culturelles, malgré les épreuves, ne sont pas fatiguées. Pas encore...

En art comme pour soi-même, il faut pratiquer l'effort, faire l'exercice. Cultiver les originalités, montrer les singularités, cela suppose de l'application et du courage. Le courage d'oser la proposition, de risquer la confrontation, de jeter le pas en avant. Le courage – aurait dit Louise de Vilmorin – « de comprendre l'honnêteté qu'il y a dans le fait de se compromettre ». Dès lors au Manège de Maubeuge, « programmer » n'est pas une fonction parmi d'autres dans la panoplie du rôle de directeur. Dans l'ordre des devoirs qui obligent, c'est une attention, un travail, une mission. C'est un sport de contact aussi, voire de combat, où la crainte d'avoir peur est déjà la première des défaites.

Certes, pour mener ainsi bataille, l'argent est utile ! Et les moyens comptent. En règle générale, il en faut pour assumer de vivre. Pour se nourrir, pour s'abriter, pour bouger et s'élever... De même, il en faut pour faire exister des théâtres, des médiathèques ou des musées. Mais l'argent n'a pas d'idées. Jamais l'argent n'a des idées, car l'argent ne sait ni voir ni sentir ce qui est bon ou ce qui est vrai. N'ayant pas de visage, il ne permet pas de comprendre un monde juste, ni de relier les temporalités, ni de tramer le fil des histoires. C'est l'art qui tient ce rôle, quand l'art n'est pas pris pour ce qu'il n'est pas, c'est-à-dire quand il n'est pas vécu comme un objet de divertissement ou de consommation culturelle. Toujours la qualité de l'engagement a plus de tranchant que l'argent. À la guerre comme à la scène.

Sans l'art de tisser des relations, que sommes-nous ?

Ne pas se comprendre offre une opportunité de se connaître mieux. On a beau faire pour éviter la rencontre, éviter ce qui est autre, inconnu ou différent ; on a beau tout faire ou presque pour se soustraire, on est des existences additionnées. Tant que le souffle intérieur y est et que le muscle travaille, chacun, chacune, reste la somme des expériences qu'il ou elle a su réaliser. Sans l'art de tisser des relations, sans l'effort constant de faire lecture du monde, que sommes- nous ? Et que serions-nous demain, sans la capacité de donner de la mémoire aux choses, plus particulièrement encore quand le bon sens lui-même fout le camp au point de poser la question de notre propre habitabilité encore possible ? Cette saison nouvelle vous offre donc de dialoguer avec des créateurs et des créatrices, restés en désir d'exister comme de questionner nos horizons.

Ils et elles sont françaises, belges, suisses, néerlandaises, allemandes, italiennes, argentines, brésiliennes, indiennes, chinoises ou taiwanaises... Ici là, au Manège, c'est cette diversité qui est à l'œuvre. Ici là, dans la réalité des architectures de la ville, un Manège passe pour rendre possible un autre Manège. Voilà qui est beau !

Les spectacles 23-24

L'art, c'est l'enfance, voilà.
L'art, c'est ne pas savoir que le monde existe déjà,
et en faire un. Non pas détruire ce qu'on trouve, mais simplement ne rien trouver d'achevé. Rien que des possibilités. Rien que des désirs. Et tout d'un coup être accomplissement, être un été, avoir du soleil. Sans en parler, involontairement. Ne jamais parfaire. Ne jamais avoir de septième jour. Ne jamais voir que tout cela est bon.
L'insatisfaction est la jeunesse.
Dieu était trop vieux au commencement, je crois. Sans quoi il ne se serait pas arrêté au soir du sixième jour. Ni le millième jour. Ni encore aujourd'hui.
C'est tout ce que j'ai contre lui. Qu'il ait pu s'épuiser totalement. Qu'il ait estimé que son livre était fini avec l'homme, qu'il ait posé sa plume en attendant de voir combien il y aurait d'éditions.
Ce n'était pas un artiste : voilà ce qui est triste.

Rainer Maria Rilke

À voir aussi
Rencontre au plateau

Maubeuge Centre du Monde, le mouvement est en marche

Antoine — 2023-06-29T07:08:20Z

Salvator Dali affirmait que le centre du monde était la gare de Perpignan. Nous, nous l'affirmons, c'est Maubeuge le centre du monde. Et cela doit se savoir. Avec la compagnie bretonne Dérézo, le mouvement est en marche. Et aujourd'hui, c'est un film. Regardez, aimez et partagez !

Maubeuge Centre du Monde, le film
Réalisation Cie Dérézo & Losange noir
Durée 1h

Version longue MCM - Maubeuge Centre du Monde
par Compagnie Dérézo

https://vimeo.com/819788554

Le projet

Charlie Windelschmidt, metteur en scène de la compagnie Dérézo, et accompagné de Valéry Warnotte et Ronan Rouanet, ont découvert au cours de leur résidence au Manège que Maubeuge était le centre du monde.

Au contact de ses habitants et habitantes, de leurs récits et du regard qu'ils portent sur leur ville, ces artistes devenus journalistes de circonstance composent un portrait vidéo de la ville.

Maubeuge Centre du Monde retourne les clichés (souvent négatifs, on ne va pas se mentir) et témoigne, avec humour et poésie, de tout ce que Maubeuge a (et pourrait avoir) d'extraordinaire.
À l'occasion du festival iTAK 2023, le Manège a souhaité donner une visibilité à ce mouvement spontanée. Aujourd'hui, un documentaire retrace cette aventure.

Crédits photo Cie Dérézo

Big Sof, un danseur hors format

Antoine — 2023-06-29T07:08:10Z

Qui dans les Hauts-de-France ne connaît pas Sofiane Chalal ? Petit récap pour ceux et celles qui seraient passés à côté, de la scène à l'écran, de la danse au cinéma, à l'occasion d'un documentaire pour France Télévisions sur son parcours et sa dernière création, Ma part d'ombre.

Big Sof, le documentaire

Big Sof, un danseur hors format - Documentaire
par France 3 Hauts-de-France

https://www.youtube.com/watch?v=rXuXZDYM85Y

Big Sof, un danseur hors format, un documentaire à voir ou revoir sur la plateforme de France.tv. Une production Step by step pour France Télévisions.

Né à Maubeuge en 1986 dans une fratrie de frères danseurs, Sofiane Chalal s'inscrit dans leurs pas dès l'âge de 7 ans. Il suit leurs parcours, et la danse devient rapidement une passion. Avec d'autres danseurs, les frères Chalal fondent Label Metis, présentent des spectacles et participent régulièrement à des concours chorégraphiques dans le Nord. À dix ans, Sofiane Chalal est déjà un familier de la scène, à douze, il se produit en première partie de Franck II Louise à La Villette. En tant que danseur, il devient une figure du Secteur 7, Centre Chorégraphique et Cultures Urbaines installé à Maubeuge, qui rayonne dans toute la région. Dès l'âge de 17 ans, il donne des cours, se distingue régulièrement dans des battles, participe à des concours chorégraphiques et suit les cours des plus grands artistes du milieu.

À partir de 2015, il s'ouvre à la création contemporaine en tant que danseur et devient interprète pour des chorégraphes contemporains. Il danse ainsi pour Farid Berki (Stravinski remix, 2015), Christophe Piret (Barbaresques, 2016) et Brahim Bouchelaghem (CRIII, 2018). Il chorégraphie sa première pièce en duo avec Aziz El Youssoufi (Sofaz, 2017).

Très actif sur les réseaux sociaux, il crée et diffuse des courts métrages chorégraphiques qui attirent un large public. La comédienne et réalisatrice Michèle Laroque remarque son travail et lui propose de chorégraphier et finalement de jouer dans son film Alors on danse, avec Patrick Timsit, Thierry Lhermitte et Isabelle Nanty. En 2018, il fonde sa compagnie Chaabane.

Ma part d'ombre est sa première création.

Ma part d'ombre à (re)découvrir le 5 décembre 2023 à Aulnoye-Aymeries et en tournée en France et en Belgique.

https://vimeo.com/733798301

En savoir + sur
Ma part d'ombre

Crédits photo DR

Sans cliché, la photo s'expose au Manège

Antoine — 2023-06-29T07:07:56Z

Photographier le territoire et ceux et celles qui l'habitent. Depuis plusieurs saisons, le Manège a entrepris avec des artistes en résidence un travail de photographies, qui rend visible les identités multiples. Des regards. Des rencontres, surtout. Panorama.

Exposition Fais*Voir (2021) d'Éric Furia

En 2021, le photographe Eri Furia parcourt le territoire à la rencontre d'habitants et d'habitantes des quartiers et des villes, toutes générations. Il prend le temps de l'échange, de la découverte de l'autre pour réaliser des « portraits actifs » de ces rencontres. Portraits entre deux confinements. Après une exposition itinérante en mai 2021, ces portraits ont été présentés sur le territoire, notamment à la Gare numérique de Jeumont à l'occasion des Assises de la politique de la ville.

Exposition & spectacle itinérant Vagabondages (2022) de Jean Lambert-wild

Au sortir du confinement, en mai 2021 également, le Manège a invité Jean Lambert-wild et Marc Goldberg à présenter leur spectacle itinérant Vagabondages, expérience rodée en Asie, à Singapour, et dans d'autres villes en France et Europe. L'idée ? Observer ce que produit, dans l'espace public, l'apparition d'un clown blanc malicieux et de son complice, forcément décalés dans nos quotidiens urbains. Dans ce dispositif improvisé au fil de l'eau, le public n'est pas convié mais croisé au hasard des chemins, et la poésie surgit de l'instant, des lieux, des rencontres. On trinque, on rit, on passe un court moment ensemble, on se sépare sans manières. Et si la vie matérielle semble reprendre, implacable, une photo aura saisi ce moment de poésie impromptue. Cette performance décalée a été mis en images par le photographe Tristan Jeanne-Valés et exposée dans le hall du Manège en septembre 2022.

Expositions Insert Coins (2022) et Sambre Héros (2023) de Christian Lutz

À l'occasion du festival iTAK 2022, Christian Lutz fait un premier pas à Maubeuge en exposant sa série de photographies sur Las Vegas, Insert Coins. Le photographe suisse n'en finit pas de démonter les mythes de la société occidentale. Dans cette série, il observe l'envers du décor clinquant de Las Vegas, la ville de tous les péchés et de tous les excès, où le plaisir règne en maître.

Durant la saison 22-23, il a entamé avec le Manège une résidence d'un an sur le territoire, en vue d'une exposition inédite pour le festival iTAK 2023. Car Christian Lutz préfère le hors-champ, la marge, ce qu'on ne regarde pas mais qui est essentiel. Au cours de ses nombreux séjours à Maubeuge, il a observé la vie de la ville, son ordinaire et ses manifestations populaires, regardant volontiers vers les côtés. Il en tire une trentaine de photographies, au contexte parfois mystérieux, qu'il associe souvent avec facétie. Au fil des images, sans éluder la dure réalité des choses, Christian Lutz tisse un conte étrange et cocasse. Une exposition présentée à la Maison Levecq à Maubeuge en mai 2023 pour le festival iTAK.

Et après ? Toutes ces séries de photographies existent. Elles seront à nouveau visibles : expositions ou éditions de catalogues, nous l'espérons prochainement.

Crédits photos
Eric Furia
Tristan Jeanne-Valés
Christian Lutz

Entretien avec Géraud Didier, directeur du Manège

Antoine — 2023-06-29T07:03:28Z

Alors que le Manège entame en 2023 le début de sa métamorphose, entretien avec Géraud Didier, directeur de la Scène Nationale, pour évoquer l'une des missions du lieu : la création et l'accompagnement des équipes artistiques. Où comment se construit un campement d'artistes, situé et porteur d'avenir pour le territoire.

Entretien Sylvia Dubost

Pourquoi avoir choisi Romeo Castelluci et Luk Perceval comme parrains du projet de "campement d'artistes" ?

Luk Perceval et Romeo Castellucci en sont l'inspiration et, pour ainsi dire, ils en parrainent la démarche : ils sont deux artistes inscrits au cœur de la maison Manège, dont les recherches de radicalité accompagnent l'obsession pionnière de la Scène Nationale.

Le campement d'artistes ? Qu'est-ce que c'est ?

C'est tout ce qui permet au Manège d'être au plus près des artistes pour les accompagner, en soutien et en partage, sur les raisons d'être de leur projet. Souvent, les artistes ne savent pas où répéter, ils ont besoin de théâtres disponibles et ouverts, de temps de travail avec une équipe technique, et ici ils ont un environnement privilégié. Ils peuvent finaliser une production, faire quelques réglages, et ont neuf ou dix plateaux à disposition, entre le Manège, la Luna, l'Atelier Renaisssance, la salle Sthrau, la Gare numérique, l'espace culturel André Malraux à Jeumont...

Concrètement, comment cela fonctionne ?

Certaines semaines, on peut accueillir 60 personnes ! On sait gérer de la multi-résidence et de la co-activité, créer un état d'esprit pour que les gens se rencontrent. On peut coproduire, faire de l'apport en industrie, financer des productions en totalité sous forme de productions déléguées.

C'est donc une vision qui dépasse la « simple » résidence d'artiste ?

Cette approche a doublé les recettes propres (la vente de ces spectacles représente autant que la totalité des recettes de la saison) et crée de l'emploi artistique et technique. La culture, c'est aussi une économie du travail. Pour cela, on a besoin d'un écosystème. Pour des dates courtes, on travaille avec des hôteliers, mais une résidence, c'est en moyenne 15 personnes, 100 fois par an, soit 1500 nuitées. L'hôtel, c'est beaucoup d'argent et donc des spectacles en moins. Aujourd'hui, avec la maison à côté des bureaux et l'appartement au coeur du jardin, on a déjà neuf chambres. Entre les deux, les Cantuaines vont être transformées pour accueillir onze logements.

La culture, c'est aussi une économie du travail ?

Bien sûr ! Pour cela, on a besoin d'un écosystème. Ainsi, on ne fragilise pas la saison et on devient de plus en plus fort pour accompagner les artistes. Cette organisation bâtimentaire, où les bureaux, le jardin et les logements sont reliés, crée un écosystème exceptionnel que les artistes adorent. D'ores et déjà, c'est un espace de croisement des énergies où naissent des projets qui alimentent la saison et le festival iTAK. 1+1 font rarement 2, mais plutôt 3, 4, 5 !

L'esthétique que défend Le Manège ?

Une esthétique de l'offensive amoureuse. De la conquête. Ce qui vous attaque c'est ce qui vous fait bouger, pas nécessairement ce qui vous agresse ou vous fait offense. L'enjeu est bel et bien de mettre au travail et le corps et l'esprit, de faire tomber certaines limites, en déplacer d'autres. Ce n'est pas une guerre, pas une chasse à courre, c'est l'entreprise de possiblement persuader l'autre de vivre autrement.

Crédits photo DR Voix du Nord

Gurshad Shaheman, artiste associé

Antoine — 2023-06-29T07:02:31Z

Entre le Manège et Gurshad Shaheman, c'est d'abord une rencontre. Ensuite, une envie d'accompagner son travail, de le partager avec le public. Après plusieurs spectacles présentés à Maubeuge, d'autres créations nous attendent. Portrait.

Sylvia Dubost

Les débuts Comme souvent, ça démarre au lycée, où Gurshad Shaheman s'inscrit à l'atelier théâtre à cause d'une prof de français « [qu'il] aimait énormément », d'une timidité qu'il cherche à vaincre et pour améliorer son français (il est arrivé en France depuis trois ans). Il imagine plutôt suivre les traces de son père ingénieur et s'inscrit en Math Sup. Un garçon comédien-metteur en scène rencontré dans un festival le fait chavirer : Gurshad passe le concours du Conservatoire, est reçu à Toulon, s'inscrit en fac de lettres puis à l'Erac (école régionale d'acteurs de Cannes et Marseille). « Quand j'ai passé mon bac, j'avais 17 en math, en physique, en philo, j'ai passé le théâtre en candidat libre et j'ai eu 8/20 : je n'ai pas suivi la voie de raison... ».

Chaque projet doit être un nouveau défi, je fabrique des objets avec les armes que j'ai forgées.

Son métier « Le théâtre, c'est énormément de labeur et d'acharnement. » Gurshad Shaheman l'envisage comme un artisan : « Chaque projet doit être un nouveau défi, je fabrique des objets avec les armes que j'ai forgées, et je dois perfectionner sans ces
se mes outils ».

Sa signature Dans des scénographies sans esbrouffe, se déploient des récits d'exils, de séparations, de renaissance, libres mais tout en retenue, où la parole retravaillée devient poétique. « Avant de faire du théâtre, je fabrique de la littérature ». Son théâtre tient de la performance mais revendique l'héritage littéraire du récit intime : « Proust, Guibert, Annie Ernaux, Lagarce... ». S'il a démarré son parcours de metteur en scène avec un récit autobiographique, il travaille de plus en plus avec des amateurs.

L'émotion « J'aime bien fabriquer des machines qui travaillent l'émotion ». C'est le meilleur moyen de raconter cette histoire.

C'est quoi, le théâtre ? « Un endroit de prise de conscience peut-être. Rendre la question palpable, c'est là l'enjeu. Quand on vit la chose de l'intérieur, on peut la comprendre ». Au happy end, il préfère la « salvation ». Le spectateur assiste à des événements terribles, « mais quand même on lui donne le sentiment que l'amour nous sauvera ».

Crédits photo Jeremy Meysen

Raquel Silva, son théâtre d'objets

Antoine — 2023-06-27T13:04:03Z

On la connaît pour son travail avec le metteur en scène italien Giorgio Barberio Corsetti, elle développe aujourd'hui ses projets personnels, où la précision et la poésie du théâtre d'objets viennent éclairer des sujets complexes.

Sylvia Dubost

Son parcours Elle commence par étudier la philosophie, mais a besoin d'utiliser son corps, et s'inscrit dans une école d'interprètes à Porto, sa ville. « C'était une approche assez naïve. La question de la mise en scène est arrivée plus tard. »

Giorgio Barberio Corsetti Depuis presque 25 ans, Raquel Silva est l'assistante du grand metteur en scène italien, qu'elle rencontre en 1997 alors qu'elle est encore étudiante. « Et depuis, on n'a jamais arrêté de travailler ensemble. » Avec lui, elle travaille à de grandes formes, pour le théâtre, l'opéra et le cirque.

L'objet, c'est l'opportunité du détail, qui me plaît beaucoup.

Son envol « Quand j'ai commencé à avoir beaucoup d'opinions que je ne voulais pas lâcher, je me suis dit que je n'avais qu'à y aller. » Raquel Silva se forme au théâtre d'objets, de papier et à la marionnette, notamment à l'ENSAM de Charleville-Mézières. Pourquoi l'objet ? « Pour moi, l'image et le corps sont importants, la parole ne me suffit pas. L'objet, c'est l'opportunité du détail, qui me plaît beaucoup. Et puis le travail de la marionnette est très méticuleux, très concret. Si on plie trop la matière, elle casse, et c'est à moi de le comprendre. La relation à l'objet est simple et saine. »

Son approche De sa formation initiale, elle garde les thématiques de ses spectacles et le goût de comprendre. « Je ne suis spécialiste en rien, j'ai une approche très simple des choses : si ça me plaît, je m'y penche. J'ai une interrogation, une envie, et je cherche la meilleure façon de la traduire sur scène. »

Les créations de Raquel Silva

Crédits photo Cie Pensée visible / Spectacle PIGS de Raquel Silva

Yeung Faï, un show man de retour en duo

Antoine — 2023-06-27T13:03:58Z

À partir du printemps 2023, Yeung Faï et Jan Vanek recréent ensemble The Puppet-show man en Hongrie. Une reprise pour ce spectacle qui marque le parcours de Yeung Faï, marionnettiste virtuose. Une production déléguée du Manège.

Sylvia Dubost

Maître de la marionnette chinoise à gaine, Yeung Faï se sert des contes pour raconter l'histoire, avec un grand et un petit h. Après Le rossignol et l'empereur d'Andersen, il reprend The Puppet-show man, en associant cette fois-ci Jan Vanek, un musicien globe-trotteur qui assure une partition live.

« Je suis né dans un théâtre », raconte Yeung Faï. C'était en 1964, à Zhangzhou, au sud de la Chine, en face de Taïwan. Son père est un maître de marionnettes, héritier d'une longue dynastie. Un art qui lui vaut l'admiration mais précipitera sa chute. En 1968, Yeung Sheng est accusé d'être une « autorité académique réactionnaire » et un « membre de la bande noire », interné dans un camp de travail où il meurt en 1970. Un traumatisme pour le jeune Faï, de toute évidence.

Je suis né dans un théâtre

Toute son œuvre en porte les traces, plus ou moins évidentes, pour qui sait y prêter attention. « Les marionnettes ont été brûlées, se souvient-il. Avec mon frère, qui a quinze ans de plus que moi, nous n'avons pu en sauver que quatre ou cinq. » C'est son frère qui, formé par leur père, l'initiera désormais à l'art de la marionnette. Faï sculptera sa première poupée à l'âge de 6 ans et en fait son métier dès l'âge de 14 ans. Depuis le début des années 2000, c'est en France qu'il en créé la plupart de ses spectacles. En 2004, on le voit ainsi dans La neige au milieu de l'été de Guân Hanging, très beau poème chinois adapté par Grégoire Callies, directeur du Théâtre Jeune Public de Strasbourg, et qui met en scène une vingtaine de marionnettes dont il supervise la fabrication.

Le public est frappé par sa virtuosité, touché par la finesse, avec laquelle il raconte des histoires simples, des histoires du quotidien, et revisite la sienne pour que le monde n'oublie jamais. « Ce n'est pas un travail pour moi, c'est ma vie. Chaque fois que j'ai envie de parler, je le fais par la création. »

The Puppet show man #2 à redécouvrir le 21 octobre à Éclaibes

Crédits photo Simon Gosselin

Quand Nora Granovsky rencontre Janis (Joplin)

Antoine — 2023-06-27T13:03:52Z

Pearl ou Me and Bobby McGee : des chansons et une voix qui résonne pour beaucoup d'entre nous et sans doute toute une génération. Pour Nora Granovsky, c'est la musique, c'est la chanteuse, l'idole, la femme, l'adolescente, un destin. Nora Granovsky signe aujourd'hui le texte et la mise en scène de Janis, une production déléguée du Manège.

Sylvia Dubost

Les débuts Adolescente, Nora Granovsky passe ses mercredis à la Comédie Française. En terminale, une prof « extra » les met en « immersion au théâtre toute l'année ». Elle s'ouvre au théâtre contemporain, à la mise en scène. « J'ai pris conscience que cela pouvait être un choix ».

Sa formation À l'École du Passage avec Niels Arestrup. « Lors d'une séance de travail, il m'a révélé que la place de regard extérieur était pour moi ».

Les rencontres « Georges Banu - qui dirige son master d'études théâtrales, croyait en moi, me soutenait. On avait des discussions très intenses sur les auteurs sur lesquels on travaillait. René Gonzalez - directeur du théâtre de Vidy Lausanne - et Luk Perceval, metteur en scène en chef du Thalia à Hambourg. » Ils ont nourri le « désir de créer, le défi de me mettre en danger, d'être dans l'intuition ».

Sa signature « Des thématiques d'utopie, une énergie, un tempo, une esthétique... Ce sont les gens qui me le disent. Ça ne m'intéresse pas d'être dans l'analyse de mon travail ; je préfère être dans le faire ».

Janis et la beat generation « Ça me constitue. Ce sont des choses auxquelles je crois, c'est ma philosophie. Jack Kerouac écrivait : les seuls êtres intéressants sont pour moi les déments, ceux qui sont assez dingues pour vivre, illuminés quand ils parlent, déjantés pour ne pas sombrer, désireux de tout en même temps, ceux qui jamais ne baillent et ceux qui brûlent brûlent brûlent comme les fabuleuses chandelles jaunes romaines qui explosent à travers les étoiles ».

Qu'incarne Janis Joplin ? « Janis incarne le paradoxe de l'Amérique, à la fois les grands espaces, où tout est possible, et de l'autre la puissance de la norme, la communauté, le racisme et la consommation à outrance. La Beat Generation s'est imposée contre ça, avec les armes de la poésie et de la musique. Elle pose aussi la question de l'intuition, de l'art brut, qui ouvre les portes de la perception. La vraie question est : qu'est-ce qu'on invente, en fait ? Pour Bob Dylan, l'important n'est pas de se chercher et de se trouver, c'est de se créer. Janis a essayé, et c'est ce que j'essaye de faire à mon niveau. Ce sera mon don à l'avenir. Mon rôle est d'être un passeur de cette façon de concevoir le monde. Être sur la route tout le temps, comme les poètes de la Beat Generation, c'est aller à la rencontre de l'autre. Et aujourd'hui, mon dieu que c'est important, quand on voit la place que prennent la haine et le pouvoir de l'argent… ».

Janis à voir ou à revoir le 17 avril à Aulnoye-Aymeries.

Crédits photo Bob Seidemann / Cie BVZK